Departamento de Historia Contemporánea e de América

The profusion of studies on the continuation or substitution of the patronage networks from the Restoration in the spanish II Republic have come to different conclusions about the democratization brought by the regime of 1931. Most of these studies focus on an institutional perspective. This presentation proposes a new methodology prioritizing the long-term vision and the analysis of both institutional and economic aspects in order to measure the “social change” and the resulting republican democratization.

Manoel de Oliveira le ha dedicado tres documentales a su
ciudad natal: 'Douro Faina Fluvial' (1931), 'O Pintor e a Cidade' (1956) y 'Porto da Minha Infância' (2001). El tránsito entre estas películas revela las transformaciones de Oporto a lo largo del siglo XX, así como los cambios en la mirada del propio Oliveira, que ha pasado de una posición objetiva y omnisciente hacia otra más subjetiva e implicada. 'Porto da Minha Infância', en concreto, regresa a lugares y encuadres que ya aparecían en las obras precedentes, pero esta vez adoptando una perspectiva autobiográfica: así, Oliveira explica ahora su relación con
la ciudad en primera persona, abordando su pasado e identidad en términos de memoria. La intención de este artículo, por lo tanto, es analizar 'Porto da Minha Infância' desde la perspectiva de la autoficción, estableciendo relaciones con aquellas películas que emplean un dispositivo similar dentro de la obra de Oliveira.

Urban self-portraits are performative documentaries in which the filmmaker’s self is constructed in relation to his or her hometown. Places of memory, in turn, are the points of reference from which we can shape our personality, establish our identity and counteract the alienation resulting from contemporary processes of globalisation, that is, our anchors in time and space. These symbolic spaces are usually the main subject of urban self-portraits, or at least their main concern, because they allow filmmakers to create a subjective cityscape based on personal
experiences. Of Time and the City (Terence Davies, 2008) is a recent example of this kind of film that addresses, in particular, the way urban renewal may threaten local identity in the long-term. The analysis of its formal strategies in this essay aims to explain the way film shapes memory and subsequently memory shapes space.

Portugal ha dejado de ser ese polo magnético que atraía a cineastas extranjeros fascinados por su historia y su cultura para convertirse a partir del año 2000 en uno de los epicentros cinéfilos más importantes del panorama internacional. Siguiendo la tradición establecida por las figuras de Manoel de Oliveira, Paulo Rocha y João César Monteiro, el cine portugués del siglo XXI ha multiplicado sus francotiradores, confirmando el diagnóstico que el crítico francés Serge Daney formuló hace más de treinta años. El resultado es que ahora este nuevo cine luso, pese a sus manifiestas limitaciones económicas, funciona como un laboratorio estético que permite estudiar y predecir los posibles devenires del cine europeo, sin por ello dejar de mirar hacia el presente y el pasado de su propio país de origen.

Los ocho cineastas protagonistas de este volumen abordan distintos aspectos de la historia portuguesa desde la perspectiva de la memoria, ya sea esta individual o colectiva, la de sus personajes o, directamente, la que evocan las imágenes de otras épocas. Para todos ellos, la memoria es una herramienta de revisión crítica del pasado y de la identidad, al margen de si trae recuerdos ominosos, como en el cine de João Canijo y de Susana de Sousa Dias, o si puede dar origen a bromas envenenadas, como en João Nicolau o en Miguel Gomes. La mayor parte de las veces, sin embargo, el recurso de la memoria supone también un acto de reafirmación del individuo, sea este un personaje, como en la Trilogía de Fontainhas de Pedro Costa, o incluso alguno de los cineastas, como João Rui Guerra da Mata en 'A Ultima Vez Que Vi Macao' o Gonçalo Tocha en 'É na Terra não é na Lua'.

Film images testify to the real appearance of the past, or at least its aesthetic, through old films or archival footage. However, the meaning of an image is never transparent but part of a cultural discourse to be interpreted. Therefore, cinema offers two possible historical readings: firstly as repository of authentic visual traces of the past, and secondly as representation that reveals the zeitgeist of a period. Classic documentaries tried to deal with historical issues in an objective way, but the evolution of the genre placed subjectivity at the centre of discourse. This paradigm shift explains why memory and identity are two of the main topics of post-modern documentaries, such as some 'urban autobiographies' that recall the emotional experience of missing cityscapes: 'Roger and Me' (Michael Moore, USA, 1989), 'My Winnipeg' (Guy Maddin, Canada, 2007) and 'Of Time and the City' (Terence Davies, UK, 2008). These films share a similar subjective approach to portraying the decline of industrial towns through personal memories, despite their belonging to three different subgenres: the performative political documentary, the essay film and the self-fiction. The analysis of their formal devices can be very useful to reflect on our contemporary systems of historical representation.

Cinema can capture the real. Its images can document the zeitgeist of contemporary China, its huge transformation in the last decades. Contrary to the Fifth Generation’s films –Zhang Yimou’s and Chen Kaigé’s historical and rural dramas–, the new generation of Chinese filmmakers return to the urban space,
showing the edges of the new capitalist cities. The usual landscapes of their films are shantytowns, building sites and no-man’s lands where the main characters live or work. Immigrants, bohemians, taxi drivers, pickpockets and other criminals
star in fictions that are very close to the documentary mode. Sixth Generation filmmakers such as Jia Zhang-ke, Wang Bing, Li Yang, Wang Xiaoshuai and Lou Ye, show interest in the urban conflicts of this time, and that’s the reason to also call them the Urban Generation.
In the last years two films have stood out among them. Firstly, in the documentary field, 'Tie Xi Qu: West of the Tracks' (Wang Bing, People’s Republic of China, 2003), an ambitious chronicle about the decline of an old industrial district in Shenyang. Director Wang Bing worked solo shooting with a digital camera for a year and a half to get almost a monument-film: nine hours divided in three parts ('Rust', 'Remnants' and 'Rails'), the visual memory of a territory. “Film this place. Soon here nothing remains”, a worker requested him directly at the beginning of the film. So now we can use those images to know what that place was like and, above all, how it was destroyed.
The other key film of the Sixth Generation could be 'Sanxia haoren' [Still Life] (Jia Zhang-ke, People’s Republic of China, 2006), a feature film shot in a real place also doomed to extinction: the town of Fengjie during its last days, before
it disappeared after being first demolished and later submerged under the waters of the Three Gorges Dam. Still Life shows different stories and characters in that setting, rescuing its last images and opening a visual reflection about the transformations
in present China.
Two years after this experience, another Jia Zhang-ke film, 'Er shi si cheng ji' [24 Hours City] (Jia Zhang-ke, People’s Republic of China, 2008), mixed fiction and documentary conventions to explain how an old weapon factory left its site to new luxury buildings. That factory summarized the Communist period, so in this film Jia recorded testimonies from the real workers, edited together with stories of fictional characters played by professional actresses. Its theme is very close to Wang Bing’s 'Tie Xi Qu', but it uses a different mise-en-scène.
All these films take a look at Chinese cities by paying attention to their conflicts and contradictions, and we can use them in order to analyse both the cities’ urban and economic transformations and also their film representation.

El James Benning es uno de los grandes cineastas del paisaje norteamericano. Sus películas se sitúan en la intersección entre el cine documental y el experimental, y suelen contrastar el medio natural con el medio modificado, el campo con la ciudad y el pasado con el presente, siempre a medio camino entre el esplendor de la modernidad y la decadencia post-industrial. Su puesta en escena se basa en la observación atenta del territorio, aunque a veces también incluye elementos performativos.
La Trilogia de California (1999-2001), en concreto, propone una cartografía crítica del paisaje californiano a través de sus
tres partes –El Valley Centro (1999), Los (2000) y Sogobi (2001)– dedicadas respectivamente a los paisajes rurales, urbanos y naturales. Cada una de estas películas consta de treinta y cinco planos fijos de dos minutos y medio cada uno, un dispositivo minimalista capaz de transmitir mucha información sobre el
paisaje, la historia y la sociedad norteamericana, así como sobre la propia vida del cineasta.
El objetivo de este artículo es, por lo tanto, analizar la representación que Benning ofrece de Los Angeles en Los
para comprender las características principales de su estilo, identificado como paisajismo observacional, y las
implicaciones socio-históricas de su discurso.

Barcelona’s process of gentrification during the last decades has eradicated many spaces related to the marginal from its landscape. Political authorities have used such events as the 1992 Olympic Games to conceal real estate operations that resulted in the destruction of this environment and the expulsion of its inhabitants. It is almost impossible to find traces of these places on the surface of the city, but its image still survives through film, photography and painting.
This paper aims to recover both the landscapes of these spaces and explanations for their extinction by employing cinema sources. A first example would be 'Los Tarantos' (Francisco Rovira-Beleta, 1963), a Gypsy musical shot during Franco’s dictatorship. Others would be 'En construcción' (José Luis Guerín, 2001) and 'De nens' (Joaquim Jordà, 2003), two documentaries that register the post-Olympic gentrification of the neighbourhood known as ‘the Raval’.

Este artículo tiene como objeto realizar un análisis textual de la película 'LosTarantos', dirigida por Francisco Rovira-Beleta en 1963, tomándola como testimonio histórico para conocer la imagen que registró de la ciudad de Barcelona en el momento
de su rodaje. Más en concreto, el trabajo se centra en la representación de las chabolas del Somorrostro y de Montjuïc, dos barrios periféricos marginales habitados por
personas de etnia gitana. La idea es contrastar la información urbanística y sociológica que contiene la película con otra clase de fuentes documentales, explorando la utilidad que puede tener el cine como documento audiovisual específico para conocer el paisaje arquitectónico del pasado. Además, el texto incluye también algunos apuntes sobre la imagen antropológica que transmite 'Los Tarantos' de los gitanos y sobre las distintas
opiniones críticas que mereció desde el momento de su estreno.

Este traballo parte de fontes cinematográficas para achegarse a
dous fenómenos vencellados da segunda posguerra francesa: dunha banda, o incremento da inmigración magrebí neste estado, e doutra, os cambios urbanísticos que sufriron as periferias das súas cidades durante as décadas dos anos cincuenta, sesenta e setenta. A miña proposta céntrase en concreto na análise textual do filme Le gone du chaâba, dirixido por Christophe Ruggia en
1998, unha historia costumista onde se describe a vida cotiá dun poboado marxinal de inmigrantes alxerianos na Francia dos anos sesenta. A partir deste exemplo, o obxectivo do texto é rastrexar e interpretar aquelas representacións cinematográficas que documentan o paso das bidonvilles aos barrios de bloques,
atendendo sobre todo ás distintas cuestións socio-históricas que aparezan reflectidas nelas.

El cine documental ha pasado de un paradigma objetivo en donde predominaban las estrategias expositivas y observacionales a otro subjetivo basado en la participación y la performatividad. Este cambio ha influido de varias maneras en los documentales que abordan procesos históricos complejos, como es el caso de la transición española: por ejemplo, el díptico formado por 'Numax presenta...' (Joaquim Jordá, España, 1979) y 'Vint anys no és res'  (Joaquim Jordá, España, 2004) señala una evolución tanto en el discurso histórico como en las formas cinematográficas que va desde la acción directa, representada por el cine militante, hasta la reflexión desencantada, expresada mediante documentales performativos.
Simultáneamente, muchos documentales latinoamericanos recientes han utilizado también dispositivos subjetivos para tratar cuestiones relacionadas con la memoria histórica, como 'Los rubios' (Albertina Carri, Argentina, 2003), un documental autobiográfico sobre el recuerdo de la desaparición de los padres de la directora, o 'Un tigre de papel' (Luis Ospina, Colombia, 2007), un falso documental que resume la historia colombiana entre 1934 y 1981 a través de un personaje ficticio. El análisis comparativo de las estrategias de puesta en escena de estos tres casos de estudio permitirá explicar la influencia del giro subjetivo en las formas actuales de escritura visual de la historia.

Los Ángeles se ha ido convirtiendo a lo largo de las tres últimas décadas en el paradigma de la urbe tardocapitalista. Su modelo en extensión, multipolar e interconectado, se está imponiendo en la planificación de nuevos barrios y ciudades en América, Europa, Asia o Australia. Si Nueva York fue la ciudad de referencia del siglo XX, a partir de los años ochenta Los Ángeles tomó el relevo, una vez superada la crisis urbana de la década anterior.
El cine puede ser un medio muy práctico para conocer la imagen que proyecta Los Ángeles, ya que transmite el aura de la ciudad a mucha gente que nunca estuvo allí. En este sentido, su influencia es mayor incluso que la de los propios planos urbanísticos, adelantándose a políticos y arquitectos en la difusión de Los
Ángeles como ciudad global, ciudad posmoderna o ciudad del espectáculo.
Para este trabajo elegí dos thrillers dirigidos por el cineasta estadounidense Michael Mann, Heat (1995) y Collateral (2004), dos películas que retratan la ciudad compartiendo una serie de características formales, temáticas y genéricas. Los diez años que van de la primera a la segunda permiten rastrear algunas constantes y cierta progresión, ofreciendo dos retratos complementarios de la ciudad de Los Ángeles.